La única educación posible sea esta: estar lo bastante seguro de una cosa
para atreverse a decírsela a un niño.
El cerebro no es un vaso por llenar, sino una
lámpara por encender. ---Plutarco
INTRODUCCIÓN
Las
técnicas de expresión plástica tienen como finalidad lograr el desarrollo del
motor fino en los estudiantes las cuales sean capaces de comunicar con un
lenguaje plástico tanto en forma oral y escrita por ende producir y comprender
con el mensaje plástico a través de dibujo, pintura el modelado.
La
formación de capacidades creativas de la persona humana es una delicada tarea
en la tarea educativa el giro cognitivo tomo como objetivo de estudio la
relación entre cerebro y proceso cognoscitivos con lo cual se abrirá una
dimensión de teoría y práctica investigativa, innovadora;
La
expresión plástica, como todo lenguaje supone un proceso creador esta es el
cauce para la expresión de contenidos mentales de índole estética y emocional.
Haciendo
posible la materialización de las ideas junto con la formación y desarrollo de
la propia motricidad, afectividad y cognición del niño.
Se
podría decir que la fundamentación de la Educación Plástica se sustenta sobre
cinco argumentos. En primer lugar cabe destacar el valor intrínseco de la
misma, ya que es considerado, junto a las ciencias y a la tecnología, como una
de las facetas fundamentales del ser humano, debe aparecer en la formación
inicial del niño. En segundo lugar debemos decir que es una forma de
desarrollar la sensibilidad.
La pedagogía cognitiva
defiende que el conocimiento se origina y fundamenta en la percepción
sensorial, aumentando mediante ésta la capacidad de reconocimiento y
discriminación de formas, colores, volúmenes y sus relaciones.
En cuarto lugar cabe
señalar la necesidad de la Educación Plástica dentro de la Educación Infantil
como medio del auto expresión, permite dar rienda suelta a todo lo que el niño
necesita manifestar
Por último destacaremos la
Educación Plástica como medio para desarrollar la autoestima.
FUNDAMENTACIÓN TEÓRICA
ANTECEDENTES
AUSUBEL (1981) La expresión plástica concibe
al hombre como un organismo, como punto de referencia del desarrollo humano
capaz de pensar crear en sí mismo y de expresar sus sentimientos.
Siendo capaz de pensar
crear en sí mismo,
Las técnicas y materiales
proporcionan al estudiante un lenguaje propio de expresión y comunicación en la
producción de obras plásticas.
Que además piensa, siente
y sobre todo actúa
El arte para los
estudiantes significa un medio de expresión que realizan naturalmente y en
forma de juego en el que desenvuelven sus experiencias, emociones y vivencias.
Consideraremos el juego
como aquel conjunto de operaciones coexistentes e de interacción en un momento
dado por las que un sujeto o grupo en situación logran satisfacer sus
necesidades, transformando objetos y hechos de la realidad y de la fantasía.
Elvira Martínez y Juan
Delgado en su libro “El origen de la expresión” analizan el significado de la
expresión plástica en el estudiante desde tres aspectos:
Por medio del dibujo el
estudiante cuenta, informa sus impresiones de los objetos a veces de forma más
clara que verbalmente. Un proceso en el que toma diversos elementos de la
experiencia y les otorga un nuevo significado los transforma entonces cada
experiencia significativa le aportará nuevos datos que serán vivencia.
¿Qué significa desarrollar la expresión
artística?
A partir de
los estímulos visuales los estudiantes decodifican la información del entorno.
Los grafismos y las pinturas, lenguaje por medio del cual el estudiantes se
comunica y expresa.
Esto nos
permite replantearnos algunas prácticas pedagógicas. Propiciar actividades que
coloquen al estudiante frente a situaciones enriquecedoras de percepción,
imaginación, sensibilidad, juicio crítico y estético.
Las
capacidades de creación deben contener estos ejes, que promuevan la percepción
y la producción al mismo tiempo, atendiendo a las etapas de desarrollo
correspondientes, en un contexto de juego, teniendo en cuenta que la expresión
significa todo lo que se ha expuesto anteriormente.
La expresión
es una necesidad vital en el estudiante que le hace posible, en primer lugar,
adaptarse al mundo y posteriormente, llegar a ser creativo, imaginativo y
autónomo.
Lo
fundamental en este proceso es la libre expresión, no la creación de obras
maestras.
La expresión
plástica viene dada por:
El educador
infantil es quien desarrolla los proyectos
(R.
Rigal, Paolette y Pottman) plantean que la motricidad no es las imple
descripción de conductas motrices y la forma en que los movimientos se
modifican, sino también los procesos que sustentan los cambios que se producen
en dicha conducta.
La motricidad
fina se refiere al control fino es el proceso de refinamiento el control de las
destrezas motoras finas.
La motricidad
fina se desarrolla a través del tiempo de la experiencia y del conocimiento y
requieren inteligencia.
Breve
reseña histórica de las técnicas de expresión plástica para el desarrollo de la
motricidad fina.
El arte
aparece, junto a las ciencias y la tecnología, como una de las facetas
fundamentales del ser humano formación inicial.
El arte aparece, junto a las ciencias y la
tecnología, como una de las facetas fundamentales del ser humano formación
inicial.
En el estudio de la evolución grafo−plástica
infantil influyen tres pilares:
La expresión grafo−plástica infantil como
producto de la civilización industrial.
La importancia de la niñez, sobre todo a
partir de Rousseau.
La civilización de la imagen. Esto lo estudia
bien René Huyghe.
A partir del siglo XIX C. Ricci fue uno de los pioneros del
estudio del arte Infantil y se fundamentó en el estudio de tres pilares.
Se le empieza
a dar al niño un valor de persona y no de personaje.
Hasta
mediados del siglo XX, no se le da valor ninguno a la imagen aparece su
importancia con el uso de la TV, la publicidad, etc. En la imagen están los
grafismos de estudiante.
Otra ciencia
importante y nueva es la psicología.
Es muy
importante el estudio de la percepción, el saber cómo percibe el ser humano.
Coordinación
motriz: Según Kiphard, E. (1976): "Coordinación es la interacción
armoniosa y en lo posible económica de los músculos, nervios y sentidos, con el
fin de traducir acciones cinéticas precisas y equilibradas (motricidad
voluntaria) y reacciones rápidas y adaptadas a la situación (motricidad
refleja)".
“…la
motricidad fina en la escritura, se describe… “como”… la movilidad de los dedos
es muy similar a la natural, por ello es posible que la persona realice
actividades que requieren motricidad fina, incluyendo la escritura, ya que el
movimiento para realizar trazos precisos parte del movimiento del hombro”.
(Berruelo 1990).
Expresión
plástica, como todo lenguaje, proceso creador para representar, comunicar creativamente
a través de la imagen, las percepciones, las vivencias, es necesario conseguir
un equilibrio entre lo que se vive y lo que se expresa, entre acción y
lenguaje.
Desarrollo
del “saber percibir” para “saber hacer” y “saber analizar”. Cualquier actividad
debe incluir situaciones de percepción de información plástica.
Berruazo
(1995) la psicomotricidad es un enfoque de la intervención educativa o
terapéutica cuyo objetivo es el desarrollo de las posibilidades motrices,
expresivas y creativas a partir del cuerpo.
Se ocupa de
la interacción que se establece entre el conocimiento, la emoción, el
movimiento y de su importancia para el desarrollo de la persona, de su
corporeidad, así como de su capacidad para expresarse y relacionarse en el
mundo que lo envuelve.
TÉCNICAS DE EXPRESIÓN
PLÁSTICA
Leontiew dice: El ser humano no nace
con una aptitud determinada, nace con la aptitud de desarrollar esas aptitudes.
Es importante
para ello conocer los materiales, instrumentos y técnicas más utilizados y aplicados
en experiencias plásticas, tanto en su aspecto teórico como práctico.
Se trata de
conseguir el desarrollo de las aptitudes de cada estudiante, utilizando sus
conocimientos plásticos y la manera en que pueden ser empleados como
herramienta de exploración, desarrollo y expresión gráfica de un proyecto.
La expresión
plástica como medio para seguir percibiendo, interiorizando, comprendiendo,
descubriendo, favorece el desarrollo integral.
ELEMENTOS
DE EXPRESIÓN PLÁSTICA
Las artes
plásticas tienen su propio lenguaje, que consiste en un conjunto de aspectos
visuales de gran variedad; estos se pueden organizar en conformaciones
fácilmente definibles y tangibles, cuyas unidades básicas y estructurales
reciben el nombre de elementos plásticos.
Incluye líneas,
colores, luces, sombras y texturas, hasta configurar su obra.
LA
CREATIVIDAD Y LA EXPRESIÓN PLÁSTICA.
La educación
infantil permitirá este desarrollo, así como el proceso que implica la solución
de los problemas. La expresión plástica está ligada al arte pero, en la etapa
infantil, no tiene como fin lograr artistas, sino el desenvolvimiento del
proceso interior del estudiante que desarrolla distintas capacidades. “lo
fundamental no es el producto, sino el proceso”.
Entre los
factores implícitos en el proceso creador se encuentran los ambientales.
¿Cómo influir positivamente en el desarrollo
de la creatividad?
A través del estímulo, la espontaneidad, la
libertad y la flexibilidad.
Poniendo al estudiantes en contacto con el arte de distintas
épocas.
Se evitará
que dependa del modelo que ofrece el adulto para, de este modo, adquirir
seguridad en sí mismo y desarrollar la capacidad creadora.
El
lenguaje gráfico-plástico.
Factores
determinantes de la existencia del lenguaje visual gráfico-plástico: emisor,
receptor, código, medio, contexto. Ordenación de los elementos: composición y
recursos compositivos. Relación entre distintas formas en el plano.
Organizaciones compositivas en el plano. La
forma y su entorno. Relación fondo-forma. Armonías y contrastes: contraste
formal, cromático y de textura. Elementos de relación: analogías, contrastes,
equilibrios y tensiones entre los elementos. Análisis de los diferentes
elementos que definen el lenguaje visual gráfico plástico. Forma, color, y
textura como agentes morfológicos del lenguaje grafico plástico. El color como
recurso expresivo.
Su utilización en las distintas técnicas de
expresión grafico plásticas. Armonías, contrastes, interacción y psicología del
color.
MOTRICIDAD
FINA.
Para
García Núñez y Fernández (1996) la psicomotricidad indica interacción entre las
funciones neuro-motrices y las funciones psíquicas en el ser humano, por lo que
el movimiento no es sólo una actividad motriz, sino también una “actividad
psíquica consciente provocada por determinadas situaciones motrices”.
De acuerdo al
autor la motricidad fina se refiere a la destreza manual que se adquiere solo
con la práctica aunque en casos específicos no solo se refiere al trabajo con
las manos sino con otras partes del cuerpo.
Para una
mejor enseñanza es coordinar movimientos entre mano-ojo, de esta manera le
estamos estimulando al estudiante a que siga adelante en su proceso de
aprendizaje.
LA
MOTRICIDAD.
Es definida
como el conjunto de funciones nerviosas y musculares que permiten la movilidad
y coordinación de los miembros, el movimiento y la locomoción.
Motricidad
fina, este término se refiere al control fino, es el proceso de refinamiento
del control de la motricidad gruesa.
H.Wallon: “Del acto a pensamiento”
“Una estructura perceptiva puede y debe tener sus
equivalentes motores o más bien, los elementos motores que implica, exigen ser
ellos mismos incorporados a una estructura semejante pero hecha de movimientos.
Toda percepción tiende así a realizarse en el plano motor.”
CARACTERÍSTICAS
DESARROLLO MOTOR FINO.
Desarrollo
motor el desarrollo del niño ocurre en forma secuencial, esto quiere decir que
una habilidad ayuda a que surja otra.
Todas las
partes del sistema nervioso actúan en forma coordinada para facilitar el
desarrollo.
El área
motora gruesa tiene que ver con los cambios de posición del cuerpo y la
capacidad de mantener el equilibrio. La motora fina se relaciona con los
movimientos finos coordinados entre ojos y manos.
DESARROLLO DE LA MOTRICIDAD
FINA.
(Catalina González 1998) la motricidad
fina refleja todos los movimiento del ser humanos que se manifiesta por medio
de habilidades motrices básicas, que expresan a su vez los movimientos
naturaleza del hombre.
Juega un
papel central en el aumento de la inteligencia, las habilidades de motricidad
fina se desarrollan en un orden progresivo.
En el
desarrollo es de suma importancia la motricidad porque este va pasando por
distintas etapas desde los movimientos espontáneos y descontrolados hasta la
representación mental.
Consideramos
que la motricidad es la estrecha relación que existe entre los movimientos, el
desarrollo psíquico, y desarrollo del ser humano. Es la relación que existe
entre el desarrollo social, cognitivo afectivo y motriz.
La
estimulación de la motricidad fina (músculo de la mano) es fundamental antes
del aprendizaje de la lecto-escritura.
Un buen
desarrollo de esa destreza se reflejará cuando el estudiante comience a manejar
los signos gráficos con movimientos armónicos y uniformes de su mano.
El gran
número de niños con digrafías (mala letra) se debe simplemente a la falta de
estimulación de la motricidad fina.
LíneasNos referimos a las líneas que contornean las figuras o que las delimitan, y también a aquellas que marcan direcciones. Pueden ser quebradizas o redondeadas, gruesas o finas. Por sí solas pueden ser muy elocuentes: piensen que una sutil línea horizontal puede marcar un horizonte, o que una sencilla línea oblicua que se dispara al fondo puede otorgarle a la obra una gran sensación de profundidad (perspectiva).
Tensiones dinámicasCon este nombre designamos a las fuerzas que crean movimiento en la obra. “La Gioconda” representa a una mujer quieta, pero no inerte, es decir que la percibimos viva. Las tensiones se expresan mediante numerosos medios visuales. En primer lugar, el movimiento depende de la proporción. En el círculo, las fuerzas dinámicas se disparan desde el centro en todas direcciones. En el óvalo y el rectángulo existe tensión dirigida a lo largo del eje mayor (vertical en el primer caso y horizontal en el segundo). El contenido de la obra definirá a dónde se dirige ese eje, si hacia arriba o hacia abajo, si a la izquierda o a la derecha. La direccionalidad se percibe fácilmente.
Otros recursos para crear movimiento son la oblicuidad de las líneas o formas, la deformación de las figuras y también la interacción de colores que contrastan.
La dinámica de la composición se logra cuando el movimiento de cada uno de los detalles se adecua al movimiento del conjunto. La obra de arte se organiza en torno a un tema dinámico dominante desde el cual el movimiento se propaga por toda el área de la composición.
La tendencia a la simplicidad
El hombre percibe estructuras, no elementos aislados. Esto quiere decir que cuando observamos una pintura, no la percibimos como una suma de partes, sino como un todo. Nuestro ojo se comporta como la naturaleza, que tiende a la simplicidad y a la relación. Si no fuéramos capaces de organizar nuestro entorno, éste se nos presentaría caótico. De esta manera, los filósofos de la “Gestalt” (estructura) han sistematizado una serie de nociones útiles que nos sirven para nuestro análisis.
Una de ellas es la relación figura-fondo. En las obras pictóricas, algunos objetos se perciben “delante”, y otros “detrás”, permitiéndonos dilucidar qué cantidad de planos de profundidad contienen, y qué relaciones establecen con respecto a la ubicación, tamaño, etc.
Otra de las leyes habla de las formas pregnantes. Se trata de formas geométricas fácilmente reconocibles y esquematizables. Volviendo al ejemplo de La Gioconda, podemos decir que la figura de la mujer puede ser esquematizada mediante un sencillo triángulo.
Otras leyes importantes son la de cierre (cuando percibimos que una forma está completa, aunque no se presente así en el cuadro), y la de continuidad del fondo (percibimos que el paisaje detrás de La Gioconda se continúa, a pesar que la mujer tape parte de él)
El contenido: denotación vs. ConnotaciónRudolph Arnheim, filósofo alemán que se especializó en el análisis de la obra de arte y en las claves de su producción, escribió que “toda obra de arte debe expresar algo. Esto significa, en primer lugar, que el contenido de la obra debe ir más allá de la presentación de los objetos individuales que la constituyen”.
Estos objetos individuales son los representativos o denotados, es decir, aquellos que se identifican sin esfuerzo. También han sido denominados signos icónicos. En La Gioconda, los signos icónicos son la figura de la mujer y el paisaje detrás. En un cuadro abstracto, un signo icónico puede ser un círculo coloreado o una mancha sin forma específica.
Pero para analizar una pintura es importante alejarse lo más posible de la impresión de lo puramente denotativo. Si nos guiamos únicamente por los signos icónicos, lo máximo que podemos llegar a decir de La Gioconda es que representa a una mujer sentada.
Cuando frente a una obra de arte nos atenemos al significado explícito -lo más claramente denotado-, estamos renunciando al desafío implícito. Este desafío consiste en descubrir qué connota la obra, qué nos quiere decir más allá de lo que muestra, y para dilucidarlo tenemos que agregar a nuestro análisis el aporte de los signos plásticos.
Ejes y centros
Los centros están constituidos por la figura de la madre y la del niño. Un centro secundario es el plato de comida. Hay un predominio de ejes verticales ascendentes, que atraviesan ambas figuras. Es destacable también que el eje vertical que divide a la obra por la mitad, divida también a la madre y al niño, reforzando el distanciamiento entre ambos.
Soporte y equilibrioEl rostro de la madre está ubicado en la zona más liviana del plano básico. Su “peso” allí es bien tolerado gracias a la suavidad de las líneas y a la ausencia de contrastes fuertes en relación al resto del cuadro. La figura del niño, ocupando la zona centro-derecha, equilibra la presencia de la madre.
Los espacios vacíos sobre el niño refuerzan su pequeñez y delgadez. El espacio vacío a su derecha contribuye a que su mirada se pierda más allá de los límites de la obra.
Manejo de colores y grados de luminosidadEl cuadro no presenta grandes contrastes de luz y color, otorgándole al cuadro cierto clima de languidez. Es destacable que la ropita del niño sea azul, diferenciándose de los colores que predominan en la obra en general y en su madre en particular.
FormaEs quizás en este punto donde encontramos más evidentemente las razones por las que percibimos la separación. Observemos la figura del niño: sus brazos cruzados, su pecho y la línea de sus hombros, forman un cuadrado. Las líneas con las que está contorneado son casi rectas. Su cuello está tenso y bien derecho. Ahora observemos la madre. Su manto cae suavemente en líneas redondeadas, sus formas son suaves, su cabeza está ladeada.
Esquemáticamente, mientras el niño es un cuadrado, la madre es un óvalo. Con el contraste de las formas y el manejo de las líneas, Picasso nos muestra que son diferentes, y que por eso están distanciados.
La práctica hace al maestro
Para aprender a mirar hay que empezar por mirar. Con esto queremos decir que identificar todos los ítems que hemos señalado aquí no es una tarea tan fácil de realizar. Las obras de arte necesitan un compromiso por parte del espectador; la verdadera obra artística nos obliga a esforzarnos por dilucidar qué quiere comunicarnos, qué tiene para decirnos.
Por eso, a medida que veas y analices más obras, más habilidad desarrollarás para comprenderlas. Es una cuestión de práctica, paciencia e intuición. Que la disfrutes.
Percepción de Contorno
La forma
Tamaño: este siempre es relativo, ya que tiene que ver con el espacio en la q sea aplicado.
Posición: la posición está definida por el lugar que se ocupe en el espacio.
Actitud: depende también del campo en donde se vea la figura y de cómo sea visto por el sujeto.
Alternativas en relación Figura Fondo
Contraste: es cuando por color, textura, línea, entre otras la figura se diferencia del fondo.
Fusión: cuando cuesta distinguir la figura del fondo, porque parecen mimetizarse o emparentarse.
Fondo Simple/Figura Compleja: es la más utilizada. Se presenta una figura con muchos detalles, diferentes texturas, volumen...y un fondo muy simple neutralizado.
Fondo Complejo/Figura Simple: es lo contrario de la anterior. Se trabaja el fondo con colores, texturas, líneas; en contraste de una figura que apenas se logra distinguir.
Reversibilidad: es cuando es difícil determinar cuál es el fondo y cuál es la figura, debido a una competencia que se da entre ellas.
Ambigüedad: es cuando se pueden interpretar espacio y profundidad de más de dos maneras.
Transparencia: es un caso especial de la ambigüedad, cuando el ojo percibe diferentes planos a distintos niveles de profundidad.
Transición: es cuando el fondo evoluciona y se ve como figura y viceversa.
El color: paleta alta y paleta baja
Artes Visuales: La iconicidad en la composición
“Podemos hablar de grado de iconicidad de una imagen
para hacer referencia a la calidad de la identidad entre la representación y el
objeto representado"
La composición y sus elementos
EL PUNTO
Es el elemento
básico de la expresión, se define como la mínima representación gráfica, pues
no tiene dimensiones, pero nos da la posición en el espacio. De él se derivan
los demás elementos visuales. La composición hace referencia a la disposición
de objetos – figuras dentro del cuadro – contorno o continente. Son por lo
tanto las opciones que tiene el dibujante o el camarógrafo de distribuir los
elementos dentro del cuadro.
Los elementos
básicos (conceptuales) de la composición son los que hacen posible cualquier
representación. Estos son el punto, la línea, el plano y el volumen. En el
dibujo, la pintura y el diseño, la representación se realiza en dos
dimensiones, es decir, en un plano. Cuando la representación se hace ya no en
un plano, sino en tres dimensiones y el objeto tiene largo, ancho y alto,
decimos que posee volumen. Al trabajar los elementos básicos de la composición
en un plano, surgen los elementos visuales la forma, el tamaño (medida), el
color y la textura. El conjunto de estos elementos determina la estructura del
objeto representado o de la obra artística. Todos los cuerpos están limitados
por superficies, las superficies por líneas y las líneas por puntos.
LA LÍNEA
Es el segundo
elemento básico de la composición, se define como el desplazamiento de un punto
en el espacio. Esto quiere decir que la línea, como elemento conceptual, no es
visible, pero en la práctica, así como ocurre con el punto, se puede
representar. En la representación, la línea aparece como una sucesión de puntos
ordenados uno detrás de otro.El valor expresivo del punto depende de su
cantidad y tamaño, así como de su agrupación, su intensidad y su distribución.
El punto determina la forma y las características del objeto que habrá de ser
representado. Y, según el uso que se le dé, éste será un elemento que ayudará a
determinar si una representación es figurativa o no figurativa.
EL VOLUMEN
Se forma cuando
un plano en movimiento tiene un recorrido en dirección diferente a la suya
propia. Adquiere una posición en el espacio y se encuentra limitado por planos.
EL PLANO es el elemento que
determina el mundo de las dos
dimensiones (largo y ancho); se diferencia del
punto que no tiene dimensión, de la línea que sólo tiene una (largo) y del
volumen que tiene tres (largo, ancho y alto).
De acuerdo con la orientación que se les dé, podemos encontrar varias
clases de líneas y a su vez como las formas, los colores y las personas,
expresan algo.
Entre ellas
tenemos: o Líneas rectas: Comunica rigidez y fuerza. (Nacimiento) o Línea
oblicua: Da la sensación de inestabilidad, variabilidad, inseguridad. O Línea
perpendicular o compensadora da estabilidad a la línea oblicua. O Líneas
curvas: Indica movimiento, abundancia, acción y armonía. (Madurez). O Líneas
horizontales: Expresa reposo, quietud. Equilibrio, tranquilidad, estabilidad
(femenino). O Líneas verticales: Comunica dignidad, altivez, elegancia y
espiritualidad (masculino). O Líneas quebradas: Insinúa desequilibrio,
inseguridad y caos. (Juventud). O Líneas radiales: Dan la sensación de
amplitud, luminosidad y orden. O Líneas mixtas: Insinúa composición, mezcla,
unión de espacios.
4. LA FORMA
Es una de las propiedades más importantes de los objetos,
de sus representaciones y de las abstracciones. Es la que constituye su
apariencia, la que permite reconocerlos y distinguirlos de otros. Las formas
más generales del diseño provenientes de los principios básicos de
verticalidad, horizontalidad, centro e inclinación, son el círculo, el
rectángulo y el triángulo equilátero. Cada uno de ellos tiene su carácter
específico y se les atribuyen diferentes significados.
Los contornos
básicos, por tanto, son estos tres: 1. El círculo 2. El cuadrado: 3. El triángulo.
A partir de estos contornos básicos derivamos mediante combinaciones y
variaciones inacabables todas las formas físicas de la naturaleza y de la
imaginación del hombre.
Las formas en un plano pueden dividirse, de acuerdo con
el tema, en figurativas y no figurativas. O Figurativas (Relativas). Son formas
que representan objetos o modelos de la naturaleza. Pueden ser naturalistas si
conservan la proporción y semejanza con los modelos representados. Son
expresionistas si representan modelos de la naturaleza sin preocupación por la
semejanza con estos.
5. EL
TAMAÑO (MEDIDA)
6. LA
TEXTURA
Son las
propiedades perceptivas táctiles – visuales de una superficie, en virtud de las
cuales se pueden captar elementos de la naturaleza de manera luminosa,
transparente, opaca, coloreada, tosca, lisa, blanda, abigarrada, puntiaguda… es
decir, ricos en propiedades visuales que sugieren y completan las propiedades
táctiles. La textura es el elemento que se reconoce a través de dos sentidos el
visual o el táctil y muchas veces mediante ambos.
EL COLOR: Empezaremos diciendo que
el color en sí no existe,
no es una característica del objeto, es más bien una
apreciación subjetiva nuestra. Por tanto, podemos definirlo como, una sensación
que se produce en respuesta a la estimulación del ojo y de sus mecanismos
nerviosos, por la energía luminosa de ciertas longitudes de onda. Es decir,
gracias a las diferentes sensaciones del color se pueden diferenciar y
reconocer las formas; a este fenómeno óptico se le denomina perspectiva del
color. Como vemos en este ejemplo las sensaciones de estos dos cuadrados de la
misma dimensión pero con diferentes colores y en diferentes contextos, nos
transmiten mensajes muy distintos: su posicionamiento con respecto al contexto,
el color de los elementos y las dimensiones de su ubicación. El color claro del
cuadrado le permite defenderse mejor frente a la forma más grande, ya que los
colores claros son expansivos, mientras que los colores oscuros se contraen
visualmente.
7. DIRECCIÓN o ubicación de las
formas en determinado sentido.
Todas las formas
básicas expresan tres direcciones visuales básicas y significativas: el
cuadrado, la horizontal y la vertical (fig. 3.18); el triángulo, la diagonal
(fig. 3.19); el círculo, la curva (fig. 3.20). Cada una de las direcciones
visuales tiene un fuerte significado asociativo y es una herramienta valiosa
para la confección de mensajes visuales. La dirección en una estructura de formas
puede indicarse de diversos modos:
8. POSICIÓN
O ubicación de las formas en relación con el espacio
que ocupan y con las otras formas. Esquema de puntos en Horizontal – Vertical –
Diagonal para una construcción lineal libre.Pesos acentuados en blanco y
negro.
9. GRAVEDAD
O peso que parecen tener los objetos. La gravedad se
puede definir como la sensación subjetiva al observar un cuadro o una imagen y
de que las formas son atraídas unas por otras, o de que son atraídas hacia
abajo por el borde inferior del cuadro. El formato ancho favorece la tensión
total de las formas individuales de poca tensión. El peso aparente de las
formas está determinado por las diferencias de color, tamaño, textura, etc.
Así, por ejemplo, de dos formas de igual tamaño parecerá más pesada la que
tenga color más oscuro. De dos formas de igual color, nos parecerá más pesada
la forma que sea más grande. De dos formas con igual tamaño y color nos
parecerá más pesada la que mayor textura tenga. Las líneas delgadas se
sostienen ante el pesado punto. Nueve puntos de ascensión (Acentuación de la
diagonal da por el peso)o INVISIBLES
10. INTENSIDAD
La intensidad es
la sensación que podemos tener ante una imagen, de que unas formas se
sobreponen visualmente a otras, es decir, de que unas formas atraen más nuestro
sentido de la vista o nuestro ánimo con mayor fuerza que otras. Las líneas
negras y blancas como valores elementales del color. O Dentro de la escala de
gradación de color, las formas más luminosas atraen más nuestra vista, es
decir, son más intensas que las formas que tienen un color más opaco. O Las
formas más grandes, en una gradación de tamaños, atraen más nuestra atención
que las más pequeñas, o sea que son más intensas que estas. O Dentro de una
homogeneidad de formas semejantes en color, tamaño, configuración o textura,
será más intensa la forma que se diferencie más de las otras. De dos formas
semejantes y de igual tamaño, ubicadas sobre un fondo de color, atrae más la
que haga más contraste con este. Si ambas formas contrastan de un modo
equivalente, su intensidad también lo será.
11. LA
TENSIÓN
Dota de fuerza y
dinamismo al diseño y atrae la atención del espectador.
12. EL
EQUILIBRIO VISUAL
Se refiere a la
percepción que se tiene de los elementos respecto a su peso (tamaño y masa) y
por consiguiente a un ajuste que se presenta en ellos dentro de una
composición. Para que la imagen no parezca caerse por un lado, el dibujante o
el fotógrafo se valen de los tamaños de los objetos y del color buscando
armonía en el conjunto.
13. Percepción
de contorno
El contorno es
precisamente lo que nos hace distinguir o separar la figura del fondo. Está
marcado por un cambio de color o de saturación del mismo. Percepción
figura-fondo: percibimos los elementos separados del fondo, aunque también
podemos tener la percepción contraria, percibir el fondo como figura (muy
habitual en los juegos de negativo y positivo).
La agrupación: tendemos a organizar los elementos que percibimos en
torno a conjuntos significativos organizados. Es como cuando miramos al cielo y
vemos en las nubes una serie de figuras. Tenemos varias formas de agrupación
por: o Proximidad (la cercanía de los distintos elementos nos hace tender a
agruparlos). O Por Semejanza (cuando los elementos son parecidos o iguales
también tendemos a agruparlos).
14. Relación
de profundidad
Es expresada por
medio de tamaños y color, se refiere a la sensación de acercamiento y lejanía.
Los más grandes dan la sensación de estar más cerca del observador; si el color
se aplica más suave a cada plano más pequeño, se logrará dar sensación de lejanía.
Relación de penetración se da cuando los planos entran y salen por otros
planos. Relación de transparencia,
ocurre cuando las formas planas se pueden apreciar a través de las figuras que
están adelante. Relación de
superposición, se da cuando los planos que se encuentran adelante no permiten
apreciar la forma completa de atrás.
Relaciones entre planos: Pregnancia: Tendemos a rellenar aquellos huecos
de información que nos faltan para completar el objeto completo. La pregnancia
nos permite completar la visión física que tiene nuestra retina.
Esta base teórica se trabajará a lo largo del año en la
modalidad de desestructuración de aulas.
Primer actividad: Se pide a los alumnos que dibujen,
aplicando conocimientos sobre línea recta (vertical, horizontal) y curva, el
mismo dibujo demostrando en forma dinámica y estática.
15. La
composición
¿Cómo puedes
representar tu estado de ánimo atravesó de una composición?
¿Es posible que una composición plástica tenga
movimiento?
Componer una obra de arte se trata de lograr armonía equilibrio
entre las partes que forman la imagen. También es muy importante el contenido
del cuadro en general. Las composiciones pueden ser estáticas, dinámicas .según
lo que quiera transmitir el autor .observando una obra figurativa. Lo primero
que nos llama la atención es el tema .Pero toda la obra de arte se vale también
de una forma correcta de componer. Las técnicas para lograr acentuar o dar más
expresión siendo aquello que el autor guiera darle.
Estático Guiere
decir guieto, sereno, tranquilo, apacible. Generalmente
Para lograr una composición estática se emplea líneas
horizontales ordenadas onduladas paralelas.
Equilibrio una obra está equilibrada cuando tiene igual
peso compositivo en cuanto a la
Forma y el color o cuando el peso compositivo se
relaciona directamente con los ejes de simetría.
Dinámico Quiere decir con mucho
movimiento, generalmente se usan líneas diagonales, quebradas en distintas
direcciones para obtener una sensación de movimiento.
Gracias a las líneas reconocemos las formas, si una
representación es figurativa o no figurativa.
Distintas clases de formas
Formas
figurativa-----------------------------------------------------Formas
geométricas---------------
Formas
abstractas---------------------------------------------------
Corta formas geométricas (círculos. Cuadrados, y
triángulos) de
papel durex y arma una composición sobre un fondo de papel de
color.
Utilizando los mismos colores, crea una composición con
formas abstractas.
Sobre un fondo del mismo color que el anterior, pinta
con temperas una composición figurativa.
Usa los mismos colores que utilizaste en la
composición de
figuras geométricas.
Centros Gravedad y Equilibrio Visual
Cómo se analiza una Pintura
Cómo se analiza una pintura
Miles de personas sienten pánico al enfrentarse a una
pintura, porque temen no entenderla. Muchas veces uno sabe lo que le produce
emocionalmente la obra, pero encuentra difícil explicar la razón. Algunas
pinturas expresan tranquilidad y reposo, otras caos y estrépito. No importa
cuánto difieran unas de otras, o de qué corriente o época sean; los pasos para
analizarlas son comunes a todas, y en la siguiente guía encontrarán los más
importantes.
La composiciónUna pintura es una representación del espacio, por lo tanto dentro de ella
rigen conceptos básicos de la naturaleza. Sabemos que ésta tiende al equilibrio
y a la simplicidad. Que existe un arriba y un abajo y una dirección
izquierda-derecha. El soporte de las obras de arte (al cual denominaremos
“plano básico” siguiendo las investigaciones del pintor ruso Kandinsky) es, por
lo general, rectangular. Lo que llamamos “composición pictórica” no es más que
la manera que el artista ha elegido para distribuir los elementos de su
representación en el plano básico.
Los pesos visualesKandinsky propuso dividir al plano básico en cuatro partes iguales, es decir,
atravesarlo por un eje vertical y otro horizontal, cuya intersección marque
exactamente el centro de la obra. La primera relación que podemos establecer es
la que divide al arriba del abajo. La zona superior es la que menos peso visual
tolera, y la inferior, la que mayor peso visual tolera.
Con “peso visual” nos referimos sencillamente al efecto óptico que produce una
figura grande y maciza, o un color intenso. Se trata de zonas que
intuitivamente percibimos como “cargadas”.
No es difícil relacionar la división arriba-abajo con la realidad: la fuerza de
gravedad nos mantiene a las personas y a las cosas con los pies en la tierra,
mientras arriba nos encontramos con el aire y el cielo abierto.
La segunda relación que establecemos es la relación izquierda-
derecha, que,
como la anterior, también nos conduce de una zona menos densa, a otra más
densa. La conclusión es, entonces, que la zona más “pesada” de la obra se
corresponde con el sector inferior derecho, y la zona más “liviana”, con el
sector superior izquierdo. Esquematizando:
Estos conceptos sirven para identificar los pesos
visuales dentro del cuadro, y la relación que tienen las figuras en su
interior. Por supuesto, no significa que el mayor peso visual vaya a estar
siempre en el sector inferior derecho. Muchas veces puede encontrárselo en el
centro, o incluso en el sector superior. En tales casos el efecto de peso es
más evidente, pues la figura ocupa un sector “liviano”, llamando mucho la
atención y obligando a la vista a fijarse una y otra vez en ella.
Los centros Con “centros” nos referimos a aquellas partes de la obra que consideramos las
más importantes. Siempre existe un centro principal, y puede haber centros
secundarios. Los identificamos porque nos llaman la atención de inmediato. Por
dar un ejemplo muy conocido, el centro de “La Gioconda” de Leonardo da Vinci
es, sin duda, el rostro de la mujer.
Los ejesSon líneas imaginarias, horizontales, verticales u oblicuas, alrededor de las
cuales se han distribuido los elementos de la pintura. Se trazan en relación a
la posición que ocupan los centros dentro de la obra. Así, el eje más evidente
de “La Gioconda”, es el vertical que atraviesa a la mujer, y que la divide en
dos mitades perfectas. También encontramos un eje horizontal a la altura de sus
hombros.
EquilibrioSe trata de la sensación de estabilidad que transmite una pintura, por más de
que su contenido sea caótico. Toda buena obra de arte está perfectamente
equilibrada. Se trata de la posibilidad de distribuir los cuerpos dentro del
espacio de manera que conformen una armonía de conjunto. Percibir el equilibrio
dentro de una pintura es un acto puramente intuitivo, y sólo se comprende
conscientemente al analizarla. Fíjense en qué lugares han sido colocados los
pesos visuales, fíjense los motivos por los cuáles ha sido tolerado el peso. Si
el mayor peso se halla en los sectores más livianos del plano básico, es seguro
que habrán pesos menores en las zonas inferiores que compensen al primero,
logrando así que la obra no se desequilibre.
LíneasNos referimos a las líneas que contornean las figuras o que las delimitan, y también a aquellas que marcan direcciones. Pueden ser quebradizas o redondeadas, gruesas o finas. Por sí solas pueden ser muy elocuentes: piensen que una sutil línea horizontal puede marcar un horizonte, o que una sencilla línea oblicua que se dispara al fondo puede otorgarle a la obra una gran sensación de profundidad (perspectiva).
Tensiones dinámicasCon este nombre designamos a las fuerzas que crean movimiento en la obra. “La Gioconda” representa a una mujer quieta, pero no inerte, es decir que la percibimos viva. Las tensiones se expresan mediante numerosos medios visuales. En primer lugar, el movimiento depende de la proporción. En el círculo, las fuerzas dinámicas se disparan desde el centro en todas direcciones. En el óvalo y el rectángulo existe tensión dirigida a lo largo del eje mayor (vertical en el primer caso y horizontal en el segundo). El contenido de la obra definirá a dónde se dirige ese eje, si hacia arriba o hacia abajo, si a la izquierda o a la derecha. La direccionalidad se percibe fácilmente.
Otros recursos para crear movimiento son la oblicuidad de las líneas o formas, la deformación de las figuras y también la interacción de colores que contrastan.
La dinámica de la composición se logra cuando el movimiento de cada uno de los detalles se adecua al movimiento del conjunto. La obra de arte se organiza en torno a un tema dinámico dominante desde el cual el movimiento se propaga por toda el área de la composición.
La tendencia a la simplicidad
El hombre percibe estructuras, no elementos aislados. Esto quiere decir que cuando observamos una pintura, no la percibimos como una suma de partes, sino como un todo. Nuestro ojo se comporta como la naturaleza, que tiende a la simplicidad y a la relación. Si no fuéramos capaces de organizar nuestro entorno, éste se nos presentaría caótico. De esta manera, los filósofos de la “Gestalt” (estructura) han sistematizado una serie de nociones útiles que nos sirven para nuestro análisis.
Una de ellas es la relación figura-fondo. En las obras pictóricas, algunos objetos se perciben “delante”, y otros “detrás”, permitiéndonos dilucidar qué cantidad de planos de profundidad contienen, y qué relaciones establecen con respecto a la ubicación, tamaño, etc.
Otra de las leyes habla de las formas pregnantes. Se trata de formas geométricas fácilmente reconocibles y esquematizables. Volviendo al ejemplo de La Gioconda, podemos decir que la figura de la mujer puede ser esquematizada mediante un sencillo triángulo.
Otras leyes importantes son la de cierre (cuando percibimos que una forma está completa, aunque no se presente así en el cuadro), y la de continuidad del fondo (percibimos que el paisaje detrás de La Gioconda se continúa, a pesar que la mujer tape parte de él)
El contenido: denotación vs. ConnotaciónRudolph Arnheim, filósofo alemán que se especializó en el análisis de la obra de arte y en las claves de su producción, escribió que “toda obra de arte debe expresar algo. Esto significa, en primer lugar, que el contenido de la obra debe ir más allá de la presentación de los objetos individuales que la constituyen”.
Estos objetos individuales son los representativos o denotados, es decir, aquellos que se identifican sin esfuerzo. También han sido denominados signos icónicos. En La Gioconda, los signos icónicos son la figura de la mujer y el paisaje detrás. En un cuadro abstracto, un signo icónico puede ser un círculo coloreado o una mancha sin forma específica.
Pero para analizar una pintura es importante alejarse lo más posible de la impresión de lo puramente denotativo. Si nos guiamos únicamente por los signos icónicos, lo máximo que podemos llegar a decir de La Gioconda es que representa a una mujer sentada.
Cuando frente a una obra de arte nos atenemos al significado explícito -lo más claramente denotado-, estamos renunciando al desafío implícito. Este desafío consiste en descubrir qué connota la obra, qué nos quiere decir más allá de lo que muestra, y para dilucidarlo tenemos que agregar a nuestro análisis el aporte de los signos plásticos.
Textura, forma, color
Estos tres elementos, del que se valen todos los pintores, son imprescindibles para terminar de comprender la fuerza expresiva de la obra. Ninguno de ellos significa por sí solo, pero al utilizarlos dentro del contexto de una obra, la cargan de sentido.
Así, una composición llena de colores vivos y luminosos, nos connota alegría y vivacidad. Una pintura con colores ocres y apagados, que presenta pocos contrastes, puede transmitirnos tristeza y opresión.
La textura de la que se ha valido el artista puede producirnos distintas emociones. Ésta puede ser creada por efecto de colores, o directamente por el trazo del pincel. Un trazo grueso y furioso puede transmitirnos inquietud. Un trazo suave y fino nos transmitirá calma.
Cuando hablamos de forma como signo plástico, no nos
referimos a la figura en sí, sino al modo en el que ésta ha sido organizada y la manera en que interactúa con las demás. Pueden estar en armonía o contrastar duramente. Pueden ser violentas o suaves, grandes o pequeñas, desdibujadas o firmes.
Los pintores saben que el estilo con que desarrollen sus formas
constituirá el sello de expresión de la obra. Varios autorretratos de Van Gogh (pintor holandés 1853-1890) están recargados de una fuerte expresividad, no tanto por los colores que emplea, o por el gesto de su rostro, sino por las formas convulsionadas y ondulantes con las que ha trazado el fondo. Esas ondulaciones, por sí solas, nada significarían. Pero situadas detrás del rostro de Van Gogh, le otorgan a la obra una enorme carga de movimiento y exaltación, que de algún modo nos habla de la interioridad del pintor.
Tras identificar lo icónico, entonces, hay que averiguar cómo ha
sido modificado por lo plástico, y de qué manera la fuerza expresiva de la obra se transmite a través de ambos.
A modo de ejemploObserven cómo analizamos brevemente la pintura “Madre e hijo” de Picasso (1905). Intentaremos dilucidar dónde radica su fuerza expresiva.
Lo primero que hacemos es identificar lo que nos transmite emocionalmente. En este caso es tristeza y desolación. A pesar de que madre e hijo se encuentran muy juntos, los percibimos separados. Es cierto que contribuye al efecto de distanciamiento el hecho de que ambos estén mirando en distintas direcciones. Pero vayamos más allá y veamos qué otros elementos podemos descubrir.
Estos tres elementos, del que se valen todos los pintores, son imprescindibles para terminar de comprender la fuerza expresiva de la obra. Ninguno de ellos significa por sí solo, pero al utilizarlos dentro del contexto de una obra, la cargan de sentido.
Así, una composición llena de colores vivos y luminosos, nos connota alegría y vivacidad. Una pintura con colores ocres y apagados, que presenta pocos contrastes, puede transmitirnos tristeza y opresión.
La textura de la que se ha valido el artista puede producirnos distintas emociones. Ésta puede ser creada por efecto de colores, o directamente por el trazo del pincel. Un trazo grueso y furioso puede transmitirnos inquietud. Un trazo suave y fino nos transmitirá calma.
Cuando hablamos de forma como signo plástico, no nos
referimos a la figura en sí, sino al modo en el que ésta ha sido organizada y la manera en que interactúa con las demás. Pueden estar en armonía o contrastar duramente. Pueden ser violentas o suaves, grandes o pequeñas, desdibujadas o firmes.
Los pintores saben que el estilo con que desarrollen sus formas
constituirá el sello de expresión de la obra. Varios autorretratos de Van Gogh (pintor holandés 1853-1890) están recargados de una fuerte expresividad, no tanto por los colores que emplea, o por el gesto de su rostro, sino por las formas convulsionadas y ondulantes con las que ha trazado el fondo. Esas ondulaciones, por sí solas, nada significarían. Pero situadas detrás del rostro de Van Gogh, le otorgan a la obra una enorme carga de movimiento y exaltación, que de algún modo nos habla de la interioridad del pintor.
Tras identificar lo icónico, entonces, hay que averiguar cómo ha
sido modificado por lo plástico, y de qué manera la fuerza expresiva de la obra se transmite a través de ambos.
A modo de ejemploObserven cómo analizamos brevemente la pintura “Madre e hijo” de Picasso (1905). Intentaremos dilucidar dónde radica su fuerza expresiva.
Lo primero que hacemos es identificar lo que nos transmite emocionalmente. En este caso es tristeza y desolación. A pesar de que madre e hijo se encuentran muy juntos, los percibimos separados. Es cierto que contribuye al efecto de distanciamiento el hecho de que ambos estén mirando en distintas direcciones. Pero vayamos más allá y veamos qué otros elementos podemos descubrir.
Ejes y centros
Los centros están constituidos por la figura de la madre y la del niño. Un centro secundario es el plato de comida. Hay un predominio de ejes verticales ascendentes, que atraviesan ambas figuras. Es destacable también que el eje vertical que divide a la obra por la mitad, divida también a la madre y al niño, reforzando el distanciamiento entre ambos.
Soporte y equilibrioEl rostro de la madre está ubicado en la zona más liviana del plano básico. Su “peso” allí es bien tolerado gracias a la suavidad de las líneas y a la ausencia de contrastes fuertes en relación al resto del cuadro. La figura del niño, ocupando la zona centro-derecha, equilibra la presencia de la madre.
Los espacios vacíos sobre el niño refuerzan su pequeñez y delgadez. El espacio vacío a su derecha contribuye a que su mirada se pierda más allá de los límites de la obra.
Manejo de colores y grados de luminosidadEl cuadro no presenta grandes contrastes de luz y color, otorgándole al cuadro cierto clima de languidez. Es destacable que la ropita del niño sea azul, diferenciándose de los colores que predominan en la obra en general y en su madre en particular.
FormaEs quizás en este punto donde encontramos más evidentemente las razones por las que percibimos la separación. Observemos la figura del niño: sus brazos cruzados, su pecho y la línea de sus hombros, forman un cuadrado. Las líneas con las que está contorneado son casi rectas. Su cuello está tenso y bien derecho. Ahora observemos la madre. Su manto cae suavemente en líneas redondeadas, sus formas son suaves, su cabeza está ladeada.
Esquemáticamente, mientras el niño es un cuadrado, la madre es un óvalo. Con el contraste de las formas y el manejo de las líneas, Picasso nos muestra que son diferentes, y que por eso están distanciados.
La práctica hace al maestro
Para aprender a mirar hay que empezar por mirar. Con esto queremos decir que identificar todos los ítems que hemos señalado aquí no es una tarea tan fácil de realizar. Las obras de arte necesitan un compromiso por parte del espectador; la verdadera obra artística nos obliga a esforzarnos por dilucidar qué quiere comunicarnos, qué tiene para decirnos.
Por eso, a medida que veas y analices más obras, más habilidad desarrollarás para comprenderlas. Es una cuestión de práctica, paciencia e intuición. Que la disfrutes.
Percepción de Contorno
Figura -
Fondo
La figura y el fondo aunque son cosas diferentes se
tienen que tomar como una unidad, ya que no hay una sin la otra. Para que la figura
sea percibida se ocupan tres elementos:
el sujeto, que es el que la percibe
la luz, que altera como vemos las cosas, ya que el
exceso de luz o la falta de ella cambia la percepción de las cosas
La forma
En la imagen se ve que por el contraste que tienen el
blanco y el negro cualquiera de las dos partes puede ser la figura y la otra el
fondo, aunque generalmente la mente tiende a reconocer el blanco como fondo.
Cualidades de la figura
Cualidades de la figura
Configuración: esta tiene que ver con la posición, organización
de los elementos que forman parte de la imagen y es la principal en nuestra percepción.
Tamaño: este siempre es relativo, ya que tiene que ver con el espacio en la q sea aplicado.
Posición: la posición está definida por el lugar que se ocupe en el espacio.
Actitud: depende también del campo en donde se vea la figura y de cómo sea visto por el sujeto.
Alternativas en relación Figura Fondo
Contraste: es cuando por color, textura, línea, entre otras la figura se diferencia del fondo.
Fusión: cuando cuesta distinguir la figura del fondo, porque parecen mimetizarse o emparentarse.
Fondo Simple/Figura Compleja: es la más utilizada. Se presenta una figura con muchos detalles, diferentes texturas, volumen...y un fondo muy simple neutralizado.
Fondo Complejo/Figura Simple: es lo contrario de la anterior. Se trabaja el fondo con colores, texturas, líneas; en contraste de una figura que apenas se logra distinguir.
Reversibilidad: es cuando es difícil determinar cuál es el fondo y cuál es la figura, debido a una competencia que se da entre ellas.
Ambigüedad: es cuando se pueden interpretar espacio y profundidad de más de dos maneras.
Transparencia: es un caso especial de la ambigüedad, cuando el ojo percibe diferentes planos a distintos niveles de profundidad.
Transición: es cuando el fondo evoluciona y se ve como figura y viceversa.
Paleta
baja y paleta alta
El color: paleta alta y paleta baja
La paleta alta de colores se compone de los colores
primarios y sus mezclas, sin blanco ni negro.
La paleta baja permite más posibilidades, en ella
aparecen todos los colores claros y los oscuros, porque en ella se pueden hacer
mezclas con blanco o negro.
En la XO, celulares,televisores,etc. los colores
primarios no son amarillo, azul y rojo; la tecnología digital usa el modelo RGB
(Red, green, blue) y con las mezclas de estos (rojo, verde y azul) se consiguen
los demás colores.
Para conseguir un rojo puro, sin mezcla de blanco o
negro en la XO, a red le damos el valor 255. Pala conseguir violeta puro; le
damos 255 a red y 255 a blue
Se
llaman colores cálidos aquellos que van del rojo al amarillo
y los colores
fríos son los que van del azul al verde. Esta división de los colores en
cálidos y fríos radica simplemente en la sensación y experiencia humana. La
calidez y la frialdad atienden a sensaciones térmicas subjetivas
El
lenguaje plástico utiliza diferentes elementos de expresión para representar
las formas, transmitir ideas y sensaciones tanto en el plano como en el
espacio. Estos elementos que utilizamos en la representación gráfica sobre una
superficie bidimensional, podemos considerarlos como el.“ALFABETO DEL LENGUAJE GRÁFICO-PLÁSTICO”.
Cada elemento plástico determina un matiz de expresión
diferente y en un orden determinado enriquece el resultado final de la
composición.
Para analizar y comprender la estructura total del
lenguaje gráfico-plástico es necesario centrarse en los elementos que lo
forman, uno por uno, a fin de comprender mejor sus cualidades específicas.
2. Elementos:
2.2 Línea
Línea
Elemento geométrico
Elemento plástico
La intersección de dos planos
- Forma
- Grosor
- Textura
- Color
Características
Elemento compositivo: Reposo y estabilidad / orden o caos/ Dinamismo /.
Profundidad volumen/ Creación de ritmos/ homogeneidad.
Como elemento gráfico: Elemento esencial en el dibujo técnico/
Informativa descriptiva/
Creación de contornos/ Creación de tramas con valor
tonal/.
Utilizada
desde la pintura prehistórica hasta el Op Art.
2. Elementos:
2.3 Plano
Plano
Elemento geométrico
Elemento plástico
La línea recta se desplaza en una sola dirección
originando una superficie plana.
Superficie de dos dimensiones.
El plano se constituye por medio de puntos
y líneas. Pueden ser virtuales o materiales.
Definición Clasificación del plano como forma
-Geométrico.
-Orgánico.
-Rectilíneo.
-Irregular.
-Manuscrito.
-Accidental.
Funciones del plano
- Crear profundidad.
- Expresar tamaño.
- Un plano de color delimita formas.
-
Convierte el plano no pintado en imagen.
2. Elementos:
2.4 Textura
Textura
Es la capa externa que reviste los cuerpos tanto
naturales como manufacturados por el hombre.
Definición Clasificación
1ª Clasificación:
-Naturales: Son las que se encuentran en
la naturaleza.
-Artificiales: Las generadas mediante un
proceso de manufacturación.
2ª Clasificación:
-Visuales: Son las que solo se perciben
por la vista. Son estrictamente bidimensionales.
-Táctiles: Son las que se pueden percibir
por
medio del tacto.
2. Elementos:
2.5 Luz y volumen
Luz
Se llama luz (del latín lux, lucis) a la parte de la radiaciónelectromagnética
que puede ser percibida por el ojo humano.
Toda manifestación lumínica queda relegada al color como
expresión de la luz.
Sin embargo, la luz es fundamental en la creación de
ambientes, centro de atención,en las formas e imágenes y sensaciones.
Definición
Transmisión
Fotones.
Reflejan.
Todos.
BLANCO.
Algunos.
PRIMARIOS LUZ.
Ninguno.
NEGRO.
Procedencia
Fuente =
Clasificación.
Natural.
Sol.
Artificial.
Percepción
Ojo.
Retina.
Producción Elemento
SOMBRAS Y LUCES COMPOSICIÓN.
Claroscuro.
Zona de luz propia.
Zona de media luz.
Zona de sombra propia.
Zona
de sombra proyectada.
2. Elementos:
2.5 Luz y volumen.
Luz
Claves tonales Cualidades de la luz.
Es el nivel de claridad, contraste y oscuridad de una
composición.
Clave tonal alta.
Luminosidad suave y de tonos claros.
Clave tonal baja.
Poca iluminación, tonos oscuros y contornos.
Difuminados.
Clave tonal contrastada.
Iluminación fuerte, tonos claros y oscuros muy marcados,
con
contornos nítidos.
Dirección Calidad e intensidad.
Luz dura.
procede de un foco intenso de luz o del sol en un día
Despejado.
Luz frontal.
La luz se sitúa delante del objeto.
Luz Lateral.
La luz se sitúa a un lado del objeto.
Luz cenital.
La luz incide perpendicular y desde abajo.
Luz contraluz.
La luz se sitúa detrás del objeto.
Luz suave.
o difusa.
Procede de una fuente luminosa extensa y tamizada.
2.5 Luz y volumen
Cualidades
de la luz Dirección.
Luz
frontal Luz lateral.
Luz
cenital Luz contraluz.
2.5 Luz y volumen.
Claves tonales.
Clave tonal alta, Clave tonal baja,Clave tonal.
Contrastada.
2. Elementos:
2.6 El color.
Clasificación
El color, según Sir Isaac Newton, es una sensación que se
produce en respuesta a una estimulación nerviosa del ojo, causada por una
longitud de onda
luminosa.
Podemos afirmar que donde hay luz, hay color.
La percepción de la forma, de la profundidad o del
claroscuro está ligada a la percepción del color. Éste define las formas y los
contornos de los objetos, completa la caracterización de las superficies,
comunica sentimientos, evoca sensaciones y estados de
ánimo.
Definición
Elemento
Colores luz.
(mezcla aditiva).
Colores pigmento.
(mezcla sustractiva).
Luz primarios:
Luz roja, luz verde,luz violeta
Luz secundarios:
Luz magenta.
luz azul cyan.
luz amarilla.
Luz complementarios.
Colores primarios:
Magenta, azul cyan, amarilla.
Colores secundarios:
Rojo, verde, violeta.
Colores complementarios.
Expresividad Dimensiones
Fríos.
Cálidos.
Tono o cromacidad.
Saturación
Valor o Luminosidad.
2.6 El color
Colores luz (mezcla aditiva)
Luz.
Solar.
Prisma de cristal.
Espectro solar.
Clasificación.
Son la luz roja, la luz verde y la luz azulvioleta.
Surgen de la descomposición de la luz blanca y no se
pueden obtener mezclando diferentes luces.
Colores luz primarios.
Colores luz secundarios.
Resultan de mezclar dos fuentes de luz primarias
Luz magenta, luz amarilla y luz azul.
Si mezclamos dos fuentes de luz secundaria obtenemos los
terciarios y así,sucesivamente.
Colores luz complementarios
Colores luz (mezcla aditiva)
Una luz es complementaria de otra cuando al sumarse las
dos genera la luz blanca.
LUZ
AMARILLA -------LUZ AZUL VIOLETA = (luz ro.+ luz ver) + luz azul violeta.
Son la característica de todos aquellos desarrollos que
como el de la pintura se
basan en la utilización de pigmentos y cuerpos sólidos
(que no emiten luz sino que la reflejan).
2.6 El color.
Colores pigmento (mezcla sustractiva).
Percibimos que un cuerpo es de un determinado color porque
absorbe todas las longitudes de onda menos las correspondientes a ese color.
Son los colores bases de los que obtendremos el resto de
colores.
AMARILLO .
AZUL CYAN.
MAGENTA.
La mezcla de los tres colores primarios en la
misma proporción generan el NEGRO.
Colores pigmento primarios.
Colores pigmento secundarios.
Resultan de la mezcla de los primarios.
AMARILLO + CYAN = VERDE.
AMARILLO + MAGENTA = ROJO.
CYAN + MAGENTA = AZUL VIOLETA.
Colores pigmento complementarios.
Colores pigmento (mezcla sustractiva)
Dos colores son complementarios cuando al mezclar los en
la misma proporción.genera el negro. En el círculo cromático estos colores
están enfrentados (uno enfrente del otro).
Círculo cromático.
Colores pigmento (mezcla sustractiva).
2.6 El color Elemento.
El
color en la imagen digital y en las artes gráficas.
Cuando nos referimos al color utilizados en las
tecnologías o en los diferentes instrumentos que trabajan con los colores luz
tenemos que
que referirnos a sistema RVA(RGB). Corresponde a los
colores luz analizados anteriormente que están basados en el Rojo, Verde y
Azul.
Cuando hablamos de los colores utilizados por la
imprenta, la prensa y las artes gráficas en general estamos hablando de un sistema
CMAN
(CMYK). Corresponde a los colores pigmento analizados
anteriormente que están basados en el Magenta, Azul, Amarillo y Negro.
2.6 El color Elemento
Dimensiones.
Son las características que nos van a permitir determinar
un color y diferenciar unos de otros. Estas características son:
2.6 El color Elemento.
Dimensiones.
Tono o cromacidad: Es la característica que nos permite definir cada
uno de los colores:
verde, rojo, amarillo etc.
Saturación: Es el grado de pureza de un
color. Esta depende de que no esté mezclado
con otros colores y en especial con el blanco.
Luminosidad o valor: Es el grado de luminosidad que percibimos en un
color o su condición de claridad y brillantez. El más luminoso es el amarillo
mientras que el violeta es el menos luminoso.
2.6 El color.
Expresividad.
Colores cálidos o calientes :
Aquellos que van desde el amarillo al magenta
en el círculo cromático. Los colores cálidos
expanden la luz y evocan una sensación de
calor, quizás porque nuestra experiencia le
atribuye una conexión con el sol, con el fuego y
con los metales incandescentes que irradian
calor.
Colores fríos:
Aquellos que van del verde al violeta pasando
por el azul en el círculo cromático. Los colores
fríos absorben la luz y parecen que retroceden.
Estos traen a nuestra mente las imágenes del
hielo,
del agua y de la noche.
La escalas pueden ser cromáticas y acromáticas.
2.6 El color Elemento.
Escalas cromáticas y acromáticas.
Escalas cromáticas: En estas escalas los valores correspondientes al tono
se obtienen mezclando los colores puros con el blanco y el negro.
Escalas acromáticas: Es una escala de grises, una modulación continua
del blanco al negro.
2.6 El color Elemento.
Gamas
cromáticas.
Definimos como gamas a aquellas escalas formadas por gradaciones.
que realizan un paso regular de un color puro hacia el blanco o el negro; una serie continua de colores cálidos o fríos y a una sucesión de diversos ,colores cromáticos.
Escalas monocromas: Son aquellas en las que hay un solo color, y se
forma con todas las variaciones de este color, bien añadiendo blanco, negro o
la mezcla de ambos (gris).
Escalas cromáticas: Estas se distinguen a su vez, en altas, medias y
bajas.
Altas, cuando se utilizan las modulaciones del valor y de
saturación que contienen mucho blanco.
Medias, cuando se utilizan modulaciones que no se alejan
mucho del tono puro saturado del color.
Bajas, cuando se usan las modulaciones de valor y
luminosidad que contienen mucho negro.
Escala Policroma, aquellas gamas de variaciones de dos o más
colores, el mejor ejemplo de este tipo de escala sería el arco iris.
2.6 El color Elemento
Armonía
cromática.
Es la relación equilibrada entre dos o más colores.
Está se produce cuando utilizamos en una composición
colores cercanos en el circulo cromático.
2.6 El color Elemento.
Armonía cromática.
Es el efecto óptico que se produce cunando se ven a la vez
los colores que no tienen nada en común en una composición. Tipos de
contrastes:
Contraste de tonos.
Contraste de valor.
Contraste de saturación.
Contraste de claro-oscuro.
Contraste de temperatura (frío-cálido).
Contraste simultáneo.
Contraste entre complementarios.
Contraste
cromático.
Es el efecto óptico que se produce cunando se ven a la vez
los colores que no tienen nada en común en una composición. Tipos de
contrastes:
Contraste de tonos.
Contraste de valor.
Contraste de saturación.
Contraste de claro-oscuro.
Contraste de temperatura (frío-cálido).
Contraste simultáneo.
Contraste
entre complementarios.
El color Elemento.
Simbolismo
del color.
El color tiene con frecuencia un significado simbólico.
Esto es se ha venido utilizando para representar algo de una forma más directa
y simple. El significado
simbólico de los colores no tiene un valor universal
porque cada cultura establece el suyo en base a sus tradiciones y puede variar
de un país a otro y variar con el tiempo.
Según nuestra cultura podemos establecer las siguientes
relaciones:
2.6 El color Elemento.
Simbolismo del color.
Color Simbología.
Rojo.
Naranja.
Amarillo.
Verde.
Azul.
Violeta.
Blanco.
Amor, pasión, vigor, calor , peligro.
Calor, vida, pureza.
Potencia, oro, ciencia, riqueza.
Humildad, origen.
Verdad, regeneración, fe, esperanza.
Sabiduría, inteligencia, infinito (espacio lejanía).
Dignidad, penitencia.
Pureza, inocencia, virtud, castidad.
Muerte,
duelo, Negro seriedad y oficialidad.
Elementos
del lenguaje gráfico-plástico: punto, línea, plano y textura.
Elementos
del lenguaje gráfico-plástico: luz y color.
“saber percibir” para “saber
hacer” y “sabe analizar
Mirar
con un ojo y sentir con el otro (August Rodin)
La finalidad del arte es dar cuerpo a
la esencia secreta de las cosas, no el copiar su apariencia. Socrates.
La
Educación desde el arte ;Según la argumentación de Rudolf Arnheim en su libro
Percepción Visual ,Educar con earte y en el arte es posible sobre todo durante
la infancia, periodo en que resulta determinante el estímulo de todas las
facultades. Desde esta perspectiva se
abordan las artes plásticas en su práctica con niños y niñas, en esa etapa en
la que el dibujo, el modelado con plastilina o barro, el recorte y pegado de
figuras de tela o papel, son actividades regocijantes de un gran valor
didáctico. La educación artística y estética en el área de artes plásticas,
cuando se imparte de manera sistemática, es decisiva para la formación integral
de los estudiantes y estimula la evolución gráfico-plástica personal, la
capacidad expresiva, la creatividad, la adquisición de conceptos, y desde luego
la aptitud para organizar armónicamente formas, colores y texturas en los
espacios bidimensional y tridimensional.
La presente conceptualización, en los términos
de los textos al contexto, al jardín , al medio donde Yo me confronto con mis
realidades como guía ,como maestro (a),es rica en información práctica y
consejos útiles, sin eludir los fundamentos teóricos indispensables, ofrece una
innovadora propuesta para los enseñantes de la Universidad del Tolima en su
acercamiento a una teoría por descubrir y fascinarse confrontada con una práctica
de cercamiento como futuros docentes dinámicos, está motivada por el interés de
que las artes plásticas reciban una atención sistemática en las escuelas y
jardines y por el deseo de que todos los pequeños se beneficien con su acción
formativa. Es producto de una extensa investigación, de una larga experiencia
como Maestro en Bellas Artes, de una minuciosa observación de niños realizando
actividades artísticas, del análisis de sus expresiones gráfico-plásticas, y
del estudio de distintos autores que antes han abordado el tema.
Por
ello la educación inicial no se debe contraponer a la creación sino puede y
debe contribuir a ello.
Por asumir la conducción del proceso de
desarrollo del niño, en la etapa más crítica. En este periodo las vivencias y
las experiencias condicionan los patrones emocionales y del desarrollo
intelectual. En el derecho de formar hombres creativos y con posibilidades de
expresar sus ideas divergentes desde lo que le ofrece la escuela.
Se
considera de gran influencia las actividades de expresión gráfico plásticas por
ser: un lenguaje en el que interviene lo estético, lo emotivo y lo cognitivo.
Influyendo en el desarrollo de la originalidad.
Podemos
entonces decir que la expresión gráfico plástica posee un valor:
Conceptual:
Permite expresar una idea, un concepto.
Procedimental:
Es un recurso didáctico para comprender los contenidos de otras áreas.
Actitudinal:
Porque propicia perceptores, comprensión de lo que se experimenta, propicia el
descubrimiento, a través de estímulos visuales, táctiles, de experimentación.
Medio
de expresión y comunicación de sus vivencias, un lenguaje del pensamiento, la
expresión se vincula a su desarrollo y a su cambio.
Porque
el niño aprende de lo que experimenta, de la motivación que lo impulsa a la
acción. Por medio de las actividades y estas responden a sus necesidades e
intereses.
Los
años de la infancia se hacen a través de la acción y se distinguen por una
actividad viva. Lo que lo caracteriza es hacer, crear, moverse, ensayar,
experimentar, vivir a fin de aprender constantemente por la realidad”
C.Kerschrsteiner (4).
Proceso
de educación completa indispensable para el desarrollo físico, intelectual y
socioemocional del niño.
Consiguiendo
hacer personas con grandes probabilidades creadoras que no solo recibe
conocimientos sino capaces de producirlos dejando la pasividad y el
conformismo.
El
niño recibe los conocimientos del mundo exterior de lo que en nuestro caso le
ofrecen las actividades de expresión gráfico plásticas que es un lenguaje,
sinónimo de simbolización o uso de signos. Medio de comunicación que Vigotski
denomino funciones psíquicas superiores (lenguaje y trabajo).
Desarrollando
así su pensamiento divergente. Siendo característica únicamente humana
denominadas funciones psíquicas superiores (lenguaje y trabajo ). Haciendo que
cada niño tenga su propia historia.
La
educación propuesta bajo este enfoque, es impulsadora del desarrollo
incitándolo, provocándolo lo que Vygotsky denomino la zona de desarrollo actual
referida a que el niño realiza sin ayuda, las actividades de expresión gráfico
plásticas, mostrando independencia y originalidad.
CONCLUSIONES
- La educación como fenómeno
social es un proceso histórico y cultural permanente, orientado a la formación
integral de la persona y al perfeccionamiento de la sociedad.
- La educación problemática
desarrolladora, prepara a los niños para que sean capaces de transformar y
generar cultura, asumiendo roles y responsabilidades.
- En el jardín de infantes se
debe propiciar actividades de expresión gráfico plástica en un ambiente creador
que promueva el desarrollo de la originalidad.
- Desde la educación inicial se
debe promover el desarrollo de la originalidad por encontrarse el niño en el
período de vida fundamental para desarrollarse afectiva y cognitivamente hacia
el logro posterior de su personalidad equilibrada.
- El desarrollo de la originalidad
se inicia desde la infancia y cuando el niño empieza a hablar que al ser
estimuladas apropiadamente se logran personas creadoras que no solo reciben
conocimiento, sino que también son capaces de producirlos dejando de lado la
pasividad y el conformismo.
- La maestra que está en esta
práctica debe ser un agente activo que estando respaldada por la ciencias
psicopedagógicas pueda aceptar los retos que le exige la sociedad contemporánea
hacia el beneficio de sus niños hacia el logro de la originalidad para lograr
cambios esperados.
Desarrollo del “saber percibir” para “saber
hacer” y “saber analizar”.
LA
EXPRESIÓN PLÁSTICA COMO FUENTE DE CREATIVIDAD
La expresión es una necesidad vital en el niño que le
hace posible, en primer lugar, adaptarse al mundo y posteriormente, llegar a
ser creativo, imaginativo y autónomo.
¿Qué es la
expresión plástica?
La expresión es un instrumento de desarrollo y
comunicación del ser humano que se manifiesta por medio de diferentes
lenguajes. La expresión plástica, como forma de representación y comunicación,
emplea un lenguaje que permite expresarse a través del dominio de materiales
plásticos y de distintas técnicas que favorecen el proceso creador. Lo
fundamental en este proceso es la libre expresión, no la creación de obras
maestras.
Por lo tanto, la importancia de la expresión plástica
viene dada por:
• El educador infantil es quien desarrolla los
proyectos de intervención relacionados con la expresión plástica dirigida a
niños de 0 a 6 años, de ahí que conozca sus técnicas y recursos.
• En la realización de estas actividades plásticas
influyen diversos factores relacionados con el desarrollo del niño en el
proceso madurativo: Afectivos, emocionales, intelectuales, motrices, nivel de
representación, capacidad de atención, sociales.
• El desarrollo de los niños está influenciado por la
expresión plástica ya que favorece el desarrollo integral del niño.
La riqueza de los medios que utiliza, junto a la
sencillez de las técnicas de las que se sirve y la gran variedad de soportes
sobre los que trabaja, han hecho de esta materia un componente indispensable e
indiscutible del ámbito educativo, sobre todo en la etapa de educación
infantil.
INTRODUCCIÓN:
La expresión plástica como lenguaje, ya que es una
forma de representación, es un instrumento básico de comunicación, comunica
creativamente a través del dibujo, volumen, forma.
La expresión plástica como recurso educativo para
comprender los contenidos del resto de áreas de una forma global, de ahí su
peso en el proceso de enseñanza- aprendizaje.
La expresión plástica como medio para seguir
percibiendo,
interiorizando, comprendiendo, descubriendo, favorece el
desarrollo integral.
El objetivo de la expresión plástica es favorecer el
desarrollo integral, percepción, creatividad, autoestima, motor y desarrollo
cognitivo.
Tiene gran peso en la educación infantil, ya que según
estudios de la Universidad de Illinois, Baker, 1992, dice que en las
actividades artísticas se invierte entre el 30% y el 50% del tiempo en
escuelas. De ahí su importancia como eje crucial en la etapa educativa de 0 a 6
años.
1.-
EXPRESIÓN PLÁSTICA: EL COLOR, LA LÍNEA, EL VOLUMEN Y LA FORMA.
La expresión plástica es el vehículo de expresión
basado en la combinación, exploración y utilización de diferentes elementos
plásticos (técnicas más materiales físicos manipulables) que facilita la
comunicación (intencionalidad comunicativa) y el desarrollo de capacidades.
El color, la línea, el volumen y la forma constituyen
elementos básicos del lenguaje plástico. Es conveniente insistir en la
importancia que adquiere su tratamiento en el periodo de 0-6 años.
El color y la forma evolucionarán, en la niña y el
niño, siguiendo un proceso bastante similar. Durante los primeros años, la
atención del color dependerá de su longitud de onda. Por ello en estas edades
suelen tener una mayor predilección por los tonos rojos. A partir de los 3
años, la elección de los colores responde sobre todo, a criterios emocionales;
le llamará la atención un color nuevo, el color que tenga la compañera o el
compañero o incluso los utilizará según se encuentren más o menos próximos.
Progresivamente irá reconociendo los colores, si bien
su uso será subjetivo. De tal manera que, por ejemplo, el cielo puede ser
pintado de cualquier color. Será aproximadamente hacia los 6 años cuando
comience a elegir colores específicos para cada cosa, lo cual le conducirá poco
a poco hasta el llamado “color esquema”. Es decir, los cielos son azules, los
árboles verdes,…en cualquier caso, la evolución en la utilización del color,
por parte de los niños y de las niñas, dependerá en gran medida de sus propias
experiencias y vivencias.
Respecto al volumen y la forma, su evolución tiene gran
similitud a la que se produce en el dibujo. Comenzaran manipulando materiales
para, a partir de que desarrollen cierta habilidad en su manejo, intentar
formar bolas o rulos (macarrones). Estos paulatinamente recibirán nombres y
pasarán a convertirse en serpientes, gusanos, objetos de su entorno, etc.
Posteriormente la unión de estas piezas dará lugar a
formas que a medida que aumentan su experiencia los niños, serán cada vez más
elaboradas y se les dotarán de mayor número de detalles. Mas adelante,
procederán a agrupar los monigotes que son capaces de elaborar formando
escenas, con lo cual se está potenciando el desarrollo del concepto de
universo.
No olvidemos que dentro de las representaciones
tridimensionales en la Etapa infantil deben incluirse aquellos juegos y
construcciones en las que los niños delimitan el espacio de la habitación donde
se desarrolla la actividad.
2.-
EVOLUCIÓN DEL GESTO GRÁFICO: DE 0 A 6 AÑOS.
La expresión forma parte inseparable de la vida del
niño/a desde sus primeros años.
En su evolución del gesto gráfico, el niño pasa por
diferentes
etapas. Las que vamos a citar las plantea Lowenfeld y se
caracterizan por los aspectos que se describen a continuación. Nos detenemos en
las que abarca el periodo de Educación Infantil de 0 a 6 años:
Evolución del dibujo:
• Garabateo (de 2 a 4 años):
- Desordenado. 18 meses.
- Controlado. 2 años.
- con nombre. 3 años y medio.
• Preesquemática. Representación intencional (de 4 a 7
años)
• Esquemática. Realismo lógico (de 7 a 9 años)
• Realismo. Realismo visual (de 9 a 11 años)
• Pseudorrealista (de 11 a 14 años)
(Las edades son aproximadas)
• Etapa de Garabateo de 2 a 4 años
• Garabateo desordenado. 18 meses.
El niño comienza a expresarse gráficamente, realizando
sus primeros garabatos hacia los 18 meses. Estos primeros dibujos carecen de
sentido y son desordenados, ya que no llega a controlar sus movimientos; puede
mirar a otro sitio mientras dibuja; ejecuta con todo el brazo. Lo importante es
la actividad motriz. No hay preferencia por usar un color u otro, ni por el
color en sí. No hay intencionalidad.
• Garabateo controlado. 2 años.
Poco a poco, el pequeño va controlando sus movimientos
y descubriendo la relación entre ellos y los trazos sobre el papel, llenando
páginas enteras. Va cambiando de colores. Figuras cerradas, regulares e
irregulares.
• Garabateo con nombre. 3 años y medio
De pronto el niño descubre que sus dibujos, tienen
sentido y les pone nombre (“esta es mamá, esto es un coche”).
Esta etapa la describe Luguet como de realismo fortuito
y desemboca en los primeros intentos de representación de formas reconocibles
para el adulto; empieza a dibujar con intención. Ya presenta representaciones
mentales.
En cuanto al color, no tiene relación con el objeto
dibujado: por
ejemplo, pone color rojo a un árbol; aunque sí lo utiliza
intencionalmente.
Respetar los garabatos del menor. La verbalización es
fundamental. Ya hay más destreza y coordinación de movimientos.
• Etapa Preesquemática. Representación intencional (de
4 a 7 años)
A los 4 años, el niño empieza a elaborar esquemas en
sus dibujos. Se encuentra en su primer nivel de representación. La figura
humana es la primera que consigue desarrollar en el papel, dando una
importancia máxima a la cabeza: son los llamados “renacuajos” o “cabezones”.
Dibuja la cabeza porque es el elemento de su esquema
corporal que tiene representado, al que da más importancia, pues está
relacionado con su alimentación, con algunos sentidos y con las personas que
están más ligadas afectivamente a él. La representa mediante un círculo,
incluyendo más o menos detalles que, poco a poco, debido a su propia
experiencia perceptiva, irá enriqueciendo.
Según el grado de madurez del niño, podemos apreciar
cómo uno de 4 años aún no dibuja en sus figuras ni brazos ni manos, y a la
cabeza tan sólo le pone los ojos, mientras que otros niños las dibujan con
brazos, manos y nariz, y también descubren los dedos, que incluyen de forma
destacada.
En esta etapa, el pequeño comienza a distribuir el
espacio de forma un tanto anárquica. El tamaño de las personas, los objetos,
etc., está en función de la importancia que les dé. Otra de las características
de este periodo es que las personas o cosas que dibuja aparecen flotando.
Elige los colores, que utiliza de forma emocional: el
hecho de usarlos supone una experiencia maravillosa, aunque no los relacione.
Estas etapas son un reflejo del proceso de desarrollo,
que es
continuo, pero no uniforme. Las diferencias individuales en la evolución
también las encontramos en el garabateo de los niños, que se puede considerar
como un reflejo de su desarrollo físico y afectivo.
No hay nada que pueda indicar qué tiempo debe dedicar
el pequeño a expresarse en el papel. La mayoría de los niños llenarán con gusto
dos o tres páginas con garabatos. Cuando han llegado a su etapa de poner nombre
a sus trabajos, pueden mantenerse interesados durante 20 o 30 minutos.
Si encontramos un niño que no se decide a garabatear,
hay que ayudarle a que adquiera confianza para expresarse ofreciéndole diversos
materiales, sin olvidar el aliento y la comprensión que el adulto está obligado
a darle.
En la realización de estas actividades plásticas influyen
diversos factores relacionados con el desarrollo del niño en el proceso
madurativo:
- Afectivos, emocionales.
- Intelectuales: comprensión de conceptos espaciales y
temporales, conocimiento de los objetos.
- Motrices: control del cuerpo, coordinación motriz.
- Nivel de representación.
- Capacidad de atención.
- Perceptivos, a través de los sentidos.
- Sociales
- Imaginativos.
- Estéticos.
La educación plástica favorece la consecución de los
objetivos de Educación Infantil, no solo los específicos de expresión:
• Conocer el propio cuerpo
• Relacionarse con los demás
• Ser más autónomo
• Observar y explorar su entorno natural, familiar y
social
• Representar diversos aspectos vividos mediante juego
• Utilizar el lenguaje verbal
• Enriquecer y diversificar sus posibilidades
expresivas.
4.- LA
CREATIVIDAD Y LA EXPRESIÓN PLÁSTICA.
La expresión plástica es un instrumento de desarrollo y
comunicación del ser humano que se manifiesta por medio de diferentes
lenguajes. La expresión plástica, como forma de representación y comunicación,
emplea un lenguaje que permite expresarse a través del dominio de materiales
plásticos y de distintas técnicas que favorecen el proceso creador. Lo
fundamental en este proceso es la libre expresión, no la creación de obras
maestras.
La expresión plástica es un cauce fundamental para el
desarrollo de la creatividad, aunque no el único. La educación infantil
permitirá este desarrollo, así como el proceso que implica la solución de los
problemas.
La expresión plástica está ligada al arte pero, en la
etapa infantil, no tiene como fin lograr artistas, sino el desenvolvimiento del
proceso interior del niño que desarrolla distintas capacidades. “lo fundamental
no es el producto, sino el proceso”. Los aspectos técnicos deben de estar
supeditados a los diversos objetivos de disfrute, expresión y comunicación, sin
que eso suponga privar al pequeño de los conocimientos y el uso de las técnicas
que favorezcan su maduración.
Entre los factores implícitos en el proceso creador se
encuentran los ambientales, en los que influye el educador o educadora, de modo
que su actuación es fundamental.
¿Cómo influir positivamente en el desarrollo de la
creatividad?
A través del estímulo, la espontaneidad, la libertad y
la
flexibilidad
Poniendo al niño en contacto con el arte de distintas
épocas.
Evitando estereotipos de la decoración y en las
realizaciones
infantiles. El educador o educadora infantil evitará el uso de
los modelos, el niño no debe copiar (ya se trate de copias de la pizarra,
fichas o cuadernos de colorear). Se evitará que dependa del modelo que ofrece
el adulto para, de este modo, adquirir seguridad en sí mismo y desarrollar la
capacidad creadora.
Individualizando los ritmos de aprendizaje.
Estimulando la observación, la experimentación, los
sentidos, la percepción, la curiosidad, la intuición, la imaginación y la
seguridad.
Valorando las producciones de otros niños.
Aceptando respuestas muy variadas y distintas de las
que se podrán esperar.
Favoreciendo el juego y el manejo de materiales poco
estructurados.
En resumidas cuentas la creatividad es la capacidad de
ver donde otros no ven, es decir, ante cualquier situación la persona creativa
es capaz de buscar otro encuadre; analizar de otra forma distintas variables, y
por supuesto encontrar otras vías de solución que a los demás no se le ocurrió.
5.-
ESTRATEGIAS DE ACTUACIÓN.
En las actividades artísticas lo importante es el
proceso, no el resultado; no hay que buscarlo porque no hay respuestas
específicas ni correctas. De acuerdo con este principio se señalan algunas
orientaciones metodológicas para el desarrollo de las actividades.
a) El
educador
• Su papel será de observar el proceso. Estará alerta
en todo momento para prestar ayuda al niño sólo si este lo necesita, ya que es
él mismo quien tiene que experimentar y sentirse satisfecho de lo que ha hecho.
• Su actitud ha de ser abierta y positiva. Se mostrará
satisfecho frente a las producciones infantiles. No es conveniente reprender,
sino, simplemente, reconducir la actividad para lograr el éxito del niño,
aunque esto no quiere decir que no haya que cambiar ciertos hábitos o actitudes
que no sean adecuados. Siempre halagará las realizaciones del niño por el
efecto motivador que supone esta actividad.
No debe deshacerse de nada de lo que modele o pinte el
niño; no es recomendable borrar. El niño ha de observar lo que hace; en todo
caso, repetirá en otra actividad la técnica hasta mejorarla, pero siempre como
una nueva experiencia, no como una repetición, pues de lo contrario, el trabajo
se convertirá en una especie de castigo.
• Sus instrucciones serán siempre claras y concisas,
los niños han de saber en todo momento lo que se espera de ellos.
• Vigilará que los niños adopten una postura correcta y
que estén cómodos.
b) Las
actividades
• Estarán planteadas en función de los objetivos
propuestos y tendrán un carácter global. Salvo que se quiera reforzar una
habilidad, en cuyo caso se propone algo específico. Se secuenciarán de modo
progresivo en cuanto a la dificultad y complejidad de las mismas, en lo que se
refiere al nivel madurativo de cada uno de ellos.
• La presentación y desarrollo de los ejercicios de
expresión se debe llevar a cabo de forma lúdica. A pesar de adecuar las
actividades a los objetivos, se pueden aprovechar algunos acontecimientos que
aumentan el interés de los niños y de las niñas como las fiestas locales o
Navidades.
• En su planificación hay que incluir el tiempo de los
siguientes momentos: 1. presentación y preparación de los materiales, 2.
ejecución del trabajo, 3. recogida, limpieza de los materiales y del espacio
utilizado, 4. puesta en común para conversar sobre las experiencias realizadas.
• Durante las actividades de pintura o dibujo libre no
se debe dar un tiempo limitado ni interrumpir al niño.
• La experiencia artística es algo más que el uso de
los materiales para el proceso de dibujar o pintar en un momento dado. Estos
momentos tienen que ser lo suficientemente flexibles como para permitir que
cualquier niño se aparte de la actividad del grupo.
c) El
ambiente
• Estimulará la iniciativa y la espontaneidad el hecho
de que el niño sienta curiosidad y se divierta, sintiéndose libre, seguro y
respetado.
• Será organizado según las actividades previstas.
• Hay que procurar mantenerlo en orden y limpio. Se
tiene que inculcar en el pequeño el gusto por los espacios limpios y el hecho
de que él mismo se ensucie sólo lo necesario. (no decimos que no tenga que
mancharse, sino únicamente lo necesario) Para ello, se enseñarán hábitos
adecuados y el uso del babi o delantal si es preciso.
Principios
metodológicos:
Ø Tratamiento de cada concepto
plástico desde la globalidad de
los procesos de la materia.
Ø Utilización de una amplia variedad
de técnicas y materiales:
Ø El entorno como principal fuente de
información.
Ø Aprovechamiento de la oferta
artística de la sociedad,
destacando la del patrimonio artístico de la
comunidad
Ø relaciones con el resto de las
materias artísticas
Ø relaciones con los diferentes
lenguajes
Ø El juego como base del desarrollo
de las actividades
Ø Vivenciación e interiorización de
los contenidos
Ø Carácter cíclico de los contenidos.
Ø Desarrollo del ”saber percibir“
para “saber hacer” y “saber analizar”
Conceptos:
El
ser humano, desde sus orígenes, ha sentido la necesidad de crear objetos, ya
sean de carácter funcional, artístico, lúdico o religioso y siempre ha buscado
y valorado en ellos un componente estético, a veces de modo intuitivo y
emocional, y en otras ocasiones de forma racional y sofisticada. Pero si en
algún momento de la historia del hombre el mundo de la imagen ha adquirido un
papel relevante es precisamente en la sociedad contemporánea, donde se exige
del individuo una constante actualización del lenguaje icónico. (Signo que representa un objeto o una idea con los
que guarda una relación de identidad o semejanza formal.)
Para
poder mantener una comunicación ágil con el medio en el que se mueve.
La expresión
plástica forma parte de esos primeros años de vida, éste lenguaje es la
manifestación del ser, el proceso por el cual los pequeños se basan en la
búsqueda y el autodescubrimiento, la aplicación de soluciones; el placer por la
exploración y por la innovación, permitiendo ejercer con libertad, autonomía y
espontaneidad su potencial creativo, ya que desde muy pequeños expresan lo que
ven, lo piensan, sienten y lo hacen no necesariamente a través de la grafía o
del lenguaje verbal, sino que recurren al lenguaje plástico, dibujando,
pintando, modelando o haciendo algún tipo de grabado. Estas actividades les
brindan placer, curiosidad y asombro.
Es por ello que la expresión plástica tiene funciones importantes en el nivel inicial como son:
Función Comunicativa: Le sirve para decir algo o influir en alguien.
Función Simbólica: Dice algo diferente, de cuando se usa el lenguaje oral o escrito.
Función Emotiva: Puede expresar afectos y tomar conciencias de dicho sentimiento.
Función Lúdica: Da diversión y gusto por las acciones que realiza.
Función Creativa: Crea y manipula libremente los elementos de su expresión plástica.
La construcción de imágenes plásticas por parte de los niños los
lleva a expresar y comunicar los contenidos de su pensamiento y de su fantasía, de esa manera comentan lo que saben, lo que sienten y lo que suponen de sí mismos y del mundo que los rodea, por lo tanto lo que los niños realizan no es una copia de la realidad, sino una interpretación de la misma.
Los niños entran en contacto con el lenguaje plástico durante la primera infancia, su acceso a la escuela permite incorporar a sus aprendizajes espontáneos otros provenientes del campo de la educación sistemática.
El proceso de elaboración plástica en la escuela no significa “esto se hace así” ni tampoco es una actividad que se tenga que hacer de manera rigurosa, con un punto de partida y de llegada para todos igual y no tomar en cuenta los intereses y las capacidades de cada uno de los niños; porque se estaría incentivando una actitud consumista en el niño, además de tomar estereotipos que disfrazarían los aprendizajes y provocarían frustraciones en los pequeños que no pudieran realizar sus modelos.
El ideal es que todo niño esté ansioso por crear, que desee explorar, experimentar e inventar. Elemento clave del sistema es el profesor, no en el papel de “enseñador”, sino de coordinador y facilitador de tareas, acompañando a sus alumnos en el camino que deben recorrer, escuchando sus ideas para actuar en consecuencia, dejando que construyan sus propias estrategias, dándole información cuando lo requieran o la necesiten, permitiéndoles estructurar su pensamiento, aceptando y respetando los diferentes modos de expresión.
Es por ello que la expresión plástica tiene funciones importantes en el nivel inicial como son:
Función Comunicativa: Le sirve para decir algo o influir en alguien.
Función Simbólica: Dice algo diferente, de cuando se usa el lenguaje oral o escrito.
Función Emotiva: Puede expresar afectos y tomar conciencias de dicho sentimiento.
Función Lúdica: Da diversión y gusto por las acciones que realiza.
Función Creativa: Crea y manipula libremente los elementos de su expresión plástica.
La construcción de imágenes plásticas por parte de los niños los
lleva a expresar y comunicar los contenidos de su pensamiento y de su fantasía, de esa manera comentan lo que saben, lo que sienten y lo que suponen de sí mismos y del mundo que los rodea, por lo tanto lo que los niños realizan no es una copia de la realidad, sino una interpretación de la misma.
Los niños entran en contacto con el lenguaje plástico durante la primera infancia, su acceso a la escuela permite incorporar a sus aprendizajes espontáneos otros provenientes del campo de la educación sistemática.
El proceso de elaboración plástica en la escuela no significa “esto se hace así” ni tampoco es una actividad que se tenga que hacer de manera rigurosa, con un punto de partida y de llegada para todos igual y no tomar en cuenta los intereses y las capacidades de cada uno de los niños; porque se estaría incentivando una actitud consumista en el niño, además de tomar estereotipos que disfrazarían los aprendizajes y provocarían frustraciones en los pequeños que no pudieran realizar sus modelos.
El ideal es que todo niño esté ansioso por crear, que desee explorar, experimentar e inventar. Elemento clave del sistema es el profesor, no en el papel de “enseñador”, sino de coordinador y facilitador de tareas, acompañando a sus alumnos en el camino que deben recorrer, escuchando sus ideas para actuar en consecuencia, dejando que construyan sus propias estrategias, dándole información cuando lo requieran o la necesiten, permitiéndoles estructurar su pensamiento, aceptando y respetando los diferentes modos de expresión.
La expresión plástica es uno de
los lenguajes con los que escucha nuestro sistema senso-perceptívo e intuitivo,
al entrar en contacto con ella desarrollamos la creatividad de nuestro ser.
Una de las cosas importantes es que el niño explore los instrumentos necesarios en la expresión plástica, así como la experimentación de sus posibilidades expresivas, favoreciendo la reflexión, la sensibilidad y una actitud de respeto hacia las diversas composiciones.
En la educación infantil, la expresión plástica se convierte en una de las actividades más enriquecedoras al integrar entorno a ella procesos perceptivos, creativos, motrices y de atención que sirvan como soporte de importantes aprendizajes futuros, además de ser muy gratificantes y deseadas por los pequeños.
Técnicas de expresión gráfico-plástica
TÉCNICAS DE EXPRESIÓN GRÁFICO-PLÁSTICA
1. Técnicas de dibujo.
Conceptos básicos:
soporte, pigmento, aglutinante, disolvente.
Técnicas secas: Grafitos, carboncillos, pasteles, lápices compuestos de colores y grasos.
Características, soportes y utilización.
Técnicas húmedas y mixtas. La tinta. Características.
Instrumentos: Rotuladores, estilógrafos, plumas y pinceles.
Soportes y utilización. El papel.
Concepto de dibujo.
Diferentes aplicaciones de las técnicas de dibujo en la
elaboración de bocetos, apuntes y dibujos.
Análisis de obras realizadas con técnicas de dibujo por artistas de diferentes épocas y estilos.
Una de las cosas importantes es que el niño explore los instrumentos necesarios en la expresión plástica, así como la experimentación de sus posibilidades expresivas, favoreciendo la reflexión, la sensibilidad y una actitud de respeto hacia las diversas composiciones.
En la educación infantil, la expresión plástica se convierte en una de las actividades más enriquecedoras al integrar entorno a ella procesos perceptivos, creativos, motrices y de atención que sirvan como soporte de importantes aprendizajes futuros, además de ser muy gratificantes y deseadas por los pequeños.
Técnicas de expresión gráfico-plástica
TÉCNICAS DE EXPRESIÓN GRÁFICO-PLÁSTICA
1. Técnicas de dibujo.
Conceptos básicos:
soporte, pigmento, aglutinante, disolvente.
Técnicas secas: Grafitos, carboncillos, pasteles, lápices compuestos de colores y grasos.
Características, soportes y utilización.
Técnicas húmedas y mixtas. La tinta. Características.
Instrumentos: Rotuladores, estilógrafos, plumas y pinceles.
Soportes y utilización. El papel.
Concepto de dibujo.
Diferentes aplicaciones de las técnicas de dibujo en la
elaboración de bocetos, apuntes y dibujos.
Análisis de obras realizadas con técnicas de dibujo por artistas de diferentes épocas y estilos.
2. Técnicas de pintura.
Soportes,
función. De madera, de tejido, otros.
Pigmentos, orígenes. Tipos,
características.
Técnicas al agua. Acuarela y témpera. Gomas. Características,
soportes, instrumentos yutilización. Disolventes, función.
Temples. Huevo. Caseína. Características, soportes,
instrumentos y utilización. Disolventes, función.
Técnicas grasas. Óleo. Aceites. Características, soportes,
instrumentos y utilización.
Disolventes, función.
Análisis de obras realizadas con estas técnicas por artistas de diferentes épocas y estilos.
Técnicas sólidas. Encaustos. Pastel. Características, utilización, instrumentos y soportes.
Análisis de obras realizadas con estas técnicas por artistas de diferentes épocas y estilo.
Acrílicos. Aglutinantes, función. Disolventes, función. Características, utilización, instrumentos y soportes. Análisis de obras realizadas con estas técnicas por artistas de diferentes épocas y estilos.
Técnicas mixtas. Experimentación y comportamiento. Análisis de obras realizadas con estas técnicas por artistas de diferentes épocas y estilos.
Pintura al fresco. Procedimiento. Análisis de obras realizadas con estas técnicas por artistas de diferentes épocas y estilos.
La aerografía. Análisis de obras realizadas con estas técnicas por artistas de diferentes épocas y estilos.
3. Técnicas de grabado y estampación.
Concepto de reproducción múltiple y los medios en los que se sustenta. Monotipia. Formación de matrices por superposición.
El gofrado. Grabado en relieve o tipográfico.
Xilografía. Maderas: A fibra y contra fibra.
Linóleo, cartulina estucada, plásticos. Análisis de grabados
realizados con estas técnicas de expresión.
Grabado en hueco o calcográfico. Proceso de trabajo. Boceto.
Trabajo de la matriz. Entintado. Transferencia. Tirada.
Técnica directa: Punta seca. Buril.
Técnica química. Aguafuerte. Aguatinta. Barniz blando. Análisis de grabados realizados con estas técnicas de expresión.
Nuevas calcografías y estampaciones. Fotograbado, collagraph, adhesivos, recortables y montajes. Análisis de grabados realizados con estas técnicas de expresión.
Litografía. Piedra-metal: Directa e indirecta. Análisis de
estampaciones realizadas con estas técnicas de expresión.
Serigrafía. Plantillas. Estarcidos. Serigrafía directa. Análisis de estampaciones realizadas con estas técnicas de expresión.
4. El lenguaje gráfico-plástico. Aplicaciones.
Forma. Tipos y estructura de las formas. Valores de la línea y de la mancha.
Color. Síntesis aditiva y sustractiva. Relaciones, contraste y clasificación del color. Psicología del color.
Textura. La textura como factor comunicador. Clasificaciones y aplicaciones.
Composición. Ritmos y modos compositivos
Técnicas al agua. Acuarela y témpera. Gomas. Características,
soportes, instrumentos yutilización. Disolventes, función.
Temples. Huevo. Caseína. Características, soportes,
instrumentos y utilización. Disolventes, función.
Técnicas grasas. Óleo. Aceites. Características, soportes,
instrumentos y utilización.
Disolventes, función.
Análisis de obras realizadas con estas técnicas por artistas de diferentes épocas y estilos.
Técnicas sólidas. Encaustos. Pastel. Características, utilización, instrumentos y soportes.
Análisis de obras realizadas con estas técnicas por artistas de diferentes épocas y estilo.
Acrílicos. Aglutinantes, función. Disolventes, función. Características, utilización, instrumentos y soportes. Análisis de obras realizadas con estas técnicas por artistas de diferentes épocas y estilos.
Técnicas mixtas. Experimentación y comportamiento. Análisis de obras realizadas con estas técnicas por artistas de diferentes épocas y estilos.
Pintura al fresco. Procedimiento. Análisis de obras realizadas con estas técnicas por artistas de diferentes épocas y estilos.
La aerografía. Análisis de obras realizadas con estas técnicas por artistas de diferentes épocas y estilos.
3. Técnicas de grabado y estampación.
Concepto de reproducción múltiple y los medios en los que se sustenta. Monotipia. Formación de matrices por superposición.
El gofrado. Grabado en relieve o tipográfico.
Xilografía. Maderas: A fibra y contra fibra.
Linóleo, cartulina estucada, plásticos. Análisis de grabados
realizados con estas técnicas de expresión.
Grabado en hueco o calcográfico. Proceso de trabajo. Boceto.
Trabajo de la matriz. Entintado. Transferencia. Tirada.
Técnica directa: Punta seca. Buril.
Técnica química. Aguafuerte. Aguatinta. Barniz blando. Análisis de grabados realizados con estas técnicas de expresión.
Nuevas calcografías y estampaciones. Fotograbado, collagraph, adhesivos, recortables y montajes. Análisis de grabados realizados con estas técnicas de expresión.
Litografía. Piedra-metal: Directa e indirecta. Análisis de
estampaciones realizadas con estas técnicas de expresión.
Serigrafía. Plantillas. Estarcidos. Serigrafía directa. Análisis de estampaciones realizadas con estas técnicas de expresión.
4. El lenguaje gráfico-plástico. Aplicaciones.
Forma. Tipos y estructura de las formas. Valores de la línea y de la mancha.
Color. Síntesis aditiva y sustractiva. Relaciones, contraste y clasificación del color. Psicología del color.
Textura. La textura como factor comunicador. Clasificaciones y aplicaciones.
Composición. Ritmos y modos compositivos
5. Incidencia de las técnicas en el proceso
artístico-cultural.
Técnicas y estilos. Las técnicas de expresión en la Historia del
Arte y la Cultura.
Arte y la Cultura.
Nuevos materiales y técnicas de la expresión
artística. Posibilidades plásticas de la electrografía, fotografía, video,
cine, televisión e informática.
Sintaxis de la imagen. El análisis de los elementos formales.
El historiador de
arte ErwinPanofsky(1892-1968) propuso una
aproximación en tres fases a la hora
de analizar una obra de arte:1.-Preiconográfica: se analizan los aspectos
formales: formas básicas, composición, color, tono, líneas, etc.
2.-Iconográfica: se
estudia la simbología
.3.-Análisis del
contexto social.
La
composición
La composición,
en una obra artística, es la distribución de los diferentes elementos en el
plano y/o el espacio.
El peso
visuales el efecto óptico que produce una figura grande y maciza, o un
color intenso. Si dividimos en cuatro partes ( por dos ejes) la obra, podemos
observar zonas que intuitivamente percibimos como “cargadas”
.Decimos que una
obra está equilibrada cuando se distribuyen los elementos dentro
del espacio de manera que conforman una armonía de conjunto.
Percibir el equilibriodentro de
una pintura es un acto
puramente intuitivo, y sólo se comprende conscientemente al analizarla.
puramente intuitivo, y sólo se comprende conscientemente al analizarla.
Loscentrosson aquellas partes de la
obra que consideramos las más importantes.
Los ejes son líneas imaginarias,
horizontales, verticales u oblicuas, alrededor de las cuales se han distribuido
los elementos de la pintura.
Las pinturas y los
dibujos no son otra cosa que una serie de marcas organizadas de modo
significativo sobre una superficie adecuada. Estas marcas pueden realizarse con
muy diversos medios, entre los que se incluyen: carbón, tizas, pigmentos,
tintas y otros.
De entre todas las señales que pueden hacerse,
la más sencilla es el punto.
El punto puede emplearse para crear un
patrón, para expresar ritmos y movimientos, puede convertirse en foco o generar
texturas.
Línea
Es
todo trazo que tiene sentido de longitud, ya que tiene una sola dimensión:
largura.
La
línea es dirección, trazo, movimiento, límite; además orienta la mirada,
divide, define o da contorno a objetos para logra la identificación y
reconocimiento de las formas. Con ella creamos un dibujo o estructuramos una
composición, resolvemos símbolos o ideas.
Por
si sola puede mostrar emociones y sensaciones, llegando a tener un gran poder
de comunicación.
Con ella, además de
las características ya mencionadas, se puede crear texturas ópticas, brindar la
sensación de luz y sombra (valor tonal), enfatizar áreas, crear perspectiva y
ritmo, entre muchas otras.
Textura
Visual
Táctil PUEDE SER: LISA,RUGOSA,ASPERA,SUAVE,CÁLIDA,FRÍA,REPRESENTAR LAS CUALIDADES DE UN
MATERIAL.
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